稻田的情愫

達拉斯康位在阿爾與亞威農之間，梵谷經常扛起畫架，拿著顏料，夾著畫板，到附近的小村莊探索，南法的風景給予他一個全新的刺激與靈感，他說：

這裡讓我驚奇，作畫之所以變得更吸引人那是因為空氣的清晰… 在這鄉下，我看見地平線有一層模糊的灰，甚至在遠方的距離，線的輪廓也很分明，它的形狀清楚地界分開來，這個部份給予人一種空氣與空間的概念。

無論垂直或水平線條，及區塊的形狀，層次都十分的鮮明，這是梵谷在此的感受，他也將這印象移到畫布上，〈往達拉斯康路上的藝術家〉就是他所說的清新與鮮豔。

在這張自畫像裡，金黃稻田一片接一片，甚至梵谷腋下的畫板也被染成黃色，關於此，他解釋：

 

我在畫布上的耕耘，就如同農夫們在田裡工作一樣。

 

對他而言，稻(麥)田與畫布簡直合而為一。

他的鮮黃，從太陽吸取，再又從麥田中找到同樣的情愫。

友誼的鏡像

當梵谷提議想與其他藝術家交換自畫像時，查爾斯˙拉佛爾是第一個舉雙手贊成的畫家，高更與伯納德之後也做了響應，當梵谷收到三人的畫像之後，他最滿意拉佛爾的作品。

當時拉佛爾還在阿凡橋工作，梵谷欣喜的說：

拉佛爾作的自畫像實在棒極了… 它用筆很大膽，看起來出色，它是一件在人們辦識才氣之前就能抓住人心的作品。

因此梵谷畫下一張自畫像，右下端寫下友人的名字「給拉佛爾」，然後託高更拿給拉佛爾，但高更卻直接交給西歐。

在這張梵谷的〈自畫像：給拉佛爾〉，我們看到他的頭髮留長了不少，還故意將它梳的高高的，他身穿的黃色外衣跟之前的藍衣相比，看起來很不一樣，的確在形象上改變了許多，背後的淡綠像似室外的風景，若跟拉佛爾的那一張相比，有一種鏡像的感覺，或許梵谷畫這張的時候，意識到用象徵性的顏色來代表某種景象，有意跟友人的畫法做類比。

 

從此，我們察覺到他與拉佛爾關係是和諧的，梵谷很感謝當他提出新點子時，這位友人很熱心加入，並迅速做了回應呢!

關於梵谷的迷思／對日本的臆想

在梵谷不少畫作裡，我們能看到日本浮世繪的影響，不過他捉摸的日本文化是怎麼一回事呢？

自1885年，梵谷開始大量收藏日本畫印刷品，此習慣一直延續到巴黎及阿爾時期，渴望將日本美學注入到他的血液。他愛上那鮮豔的顏色、簡單的線條，與戲劇化的組合。

他多想到日本去經驗個中滋味，然而基於年紀與財務的考量，他無法成行；儘管如此，始終沒有放棄對日本的幻想。

在一封寫給好友伯納德（Emile Bernard, 1868-1941）的信，他談起：

……以寧靜的氣氛與愉悅的顏色的效果而言，這裡就如日本一樣的美麗。

水形成一片亮麗綠寶石的斑駁，風景中豐盈的藍，就像我們在日本印刷品中看到的重皺紋之織物……假如日本人在他們的國家沒什麼進展，那倒沒關係，重點是這藝術正在法國延續下去。

梵谷似乎懷有一種將日本文化發揚光大的使命。

他曾經建議其他藝術家們用「交換自畫像」作知性交流，說此想法來自於日本，然而日本並沒這傳統，其實梵谷本人才是這觀念的創建者啊！說來他對日本的印象，大多源於對異國文化的臆想。

不過我認為精準與否並不重要，因為人對事物的理解，往往從獲取的資訊中消化後，再作額外的臆想、猜測與判斷。藉由幻想，梵谷創造了一個新的觀點與美學，這才是藝術家最吸引人的特質，不是嗎？

【聯合報副刊 2010/01/29 】

母子深情

梵谷完成〈和尚的自畫像〉之後，緊接著，又拿起一張黑白照片，準備用油彩畫他久違的媽媽，在作畫當時，他說道：

我正在畫一張母親的肖像，因為她的黑白照片很困擾我。 噢! 肖像作品可以從照片或畫的樣子衍生出來，我總希望能在肖像上作一個巨大的革新。

黑白照片在梵谷的眼裡成了一個無深度，無靈魂的東西，當他將相片轉移到畫布上，顏色是他最主要的考慮點，他添加很多的綠與紅棕，讓母親的臉顯得明亮，甚至散發一種靈光的感覺，藉由玩弄色彩的技巧，他傳達了對母親永恆的記憶。


有趣的是，若拿這張母親的肖像畫與〈和尚的自畫像〉作比較，我們看到之間的類似性，包括：綠綠的背景、紅棕色的衣服、臉的角度、視覺的走向…等等，梵谷為什麼要這麼作呢?

梵谷的母親曾跟裘說，她認為所有孩子當中，梵谷長的最健壯，最魁梧，突出的眉骨與眼神也最像她。 隱約地透露她內心最疼愛的就是梵谷，梵谷也應該了解這個狀況。

這張〈和尚的自畫像〉暗示一份難以言喻的母子情節。

灰燼的意象

為了在黃屋建立一家南方畫室，梵谷已積極的完成許多作品，接下來，他有一個構想，那就是跟其他藝術家們交換自畫像。

1888年9月，高更說要來，但遲遲未到，梵谷在焦慮之下，要求高更作一幅自畫像以作交換，就這情況下，他自己也畫了一張〈和尚的自畫像〉。

在給高更的一封信裡，梵谷記載這張剛完成的肖像：

我完成一張自畫像，所有都是灰燼的顏色，灰燼的灰是在淡淡的孔雀石底色上由孔雀石綠與菊色調合而成，衣服是紅棕色，整個看來很和諧，然而在此，我誇張了的性格，首先讓自己看起來像一名單純的和尚，正在膜拜永恆的佛陀。

根據以上的敘述，「和尚」是他想給友人的印象。

梵谷將頭髮與鬍鬚剪的很短，不同於以往，這時我們可以觀察到他藉由剪去髮絲體現重新做人的模樣，另一方面他也在想傳達「灰燼」的意象，彷彿訴說世間一切都是空虛，最後猶如塵土。

自殺是脆弱的表現嗎?

人說自殺是脆弱的表現，我們該如何看待梵谷的死亡呢?

法國劇作家安東尼‧亞陶(Antoin Artaud，1896-1948)在1947年出版了一本劇作《梵谷，因社會逼迫而自殺的人》，裡面寫著：

他一生用強烈的能量與決心來尋找自己，不會在瘋癲或害怕不成功時刻自殺，相反地，他發現了他是誰，他是什麼。 但是… 生命陷入僵局之際，強烈地衝至高潮，彷彿太陽重擊一般，一個想法出現，那就是沒辦法繼續走下去。

這段文字將藝術家的處境，與為何自殺的心態描繪的很好。

梵谷的自殺是在絕望之際，而非軟弱之時，他盡可能突破僵局，把一生的燦爛與極限活出來，從世俗的一切貪婪、邪惡、耽溺…中覺醒，然後再昇華....

其實，他所留下來的是對生命的尊重啊!

所以，他的自殺絕非懦夫之舉。

紅酒的溫暖? 還是血的刺痛?

若仔細觀看梵谷的眼睛，會發現眼緣與眼角溢滿了赤紅。 紅，對他來說代表什麼呢? 可以是熱血奔騰的情感，如紅酒一樣的溫暖; 但有時候也可以是血流的刺痛。 藝評家安娜˙投特羅婁曾將梵谷的眼睛譬喻成波特萊爾在《惡之華》的開場白：「你們，虛偽的讀者，是我的兄弟，我的朋友。」 他眼裡的「真誠」，直盯著我們這一群「虛偽」的觀眾，眼睛的充紅象徵血的意象，那赤紅勾起了你我的羞愧之情與同情之心，很自然的，我們會落下淚來，不是嗎?

前後的改變

1888年初，羅浮宮正好有一個自畫像特展，共呈列104張，裡面有普桑、林布蘭特、夏丹、雅克-路易˙大衛、庫爾貝、德拉克洛瓦...等人的自我肖像，梵谷看了之後，回去就畫了〈自畫像：無帽，手拿畫筆與調色板，站在畫架前〉，這是他在巴黎作的最後一張自畫像。

此為一件他最常被拿來討論的自畫像，根據裘的描述，在所有畫像中，這張最像梵谷。

若我們把它拿來跟巴黎畫的第一張自畫像(1886年)相比，會驚奇地發現梵谷這兩年的改變....

同樣是畫架擺在前，一手拿著沾有油彩的畫板與畫筆，但，1888年梵谷已經融入了印象派、點描風、蒙地伽利、日本版畫、阿凡橋派、及前人們的典範…等等因子，在巴黎他如一只海棉，盡可能學習，大量的吸收，從色彩的表現上，他確實進步了。

衝突, 再和諧

約1886年的春末，梵谷開始認識許多巴黎頂尖的藝術家，他們經常互訪工作室，交換畫作，一起在酒吧聊天談藝術，也遇到不少知名的藝術商與藝評家，根據西歐的記載，梵谷那時候有很多朋友，無論在生活與繪畫上都有很大的進展，這使得在旁的親人振奮無比。

當時梵谷把焦點放在花朵，風景，與靜物上，盡量在顏色上作大膽的實驗，對於色彩，他描述：

在繪畫裡，有某種無限的東西…. 能充分的表現一個人的情感，多麼讓人愉悅啊! 在隱藏的和諧或對比顏色上，它們本身通常不情願結合在一起，而且人們也拿它們沒辦法。

談到顏色，梵谷視「他們」為生命之物，就連描述他都用擬人化的方式。針對色和諧與對比的議題，他興奮的說：

我已作了一系列的色彩實驗的畫，簡單的花朵，紅色罌粟花，藍色穀物花朵，白色與玫瑰色的薔薇，黃色的菊花 —— 尋找藍與橘，紅與綠，黃與紫蘿蘭，去產生協調，使極端的野蠻看起來較和諧，我嘗試使用強烈的顏色，絕不會去製作無生氣的和諧。

梵谷喜歡玩弄顏料，但絕不為了平淡而和諧，他摒棄無生氣的東西，要想找的元素是經過強烈衝突與爭鬥後所產生的協調，這是他很重要的一項美學觀。

只因愛人

〈食蕃薯的人〉畫完後，梵谷宣佈將以作肖像畫維生，一來從畫人的過程，他找到一種擁抱人物的熱情，二來他處的19世紀後半，攝影成了一股流行風，他對此現象抨擊的厲害，在一封給妹妹薇仁蜜娜的信，他表明：

這些攝影肖像比我們用畫的更容易退色，用筆畫肖像才能真正體現對人類的愛或尊敬。

的確，他認為肖像畫可穿透靈魂，是相機無法達到的境界。 他特別關心被社會遺忘的人群，為此，他以愛、同情、敬重的態度，用長時間的凝視，將他們的臉、身體、與姿態一一描繪下來，最後賦予某種永恆的，象徵性的特質。

他抓到未來的志向，對人那般的專注，賜予人無窮的愛，他說：

我愛。 假如我沒有活著，別人也沒有活著，我如何感覺到這神秘性的東西呢? —— 愛。 …我越想，越覺得世上沒有一樣東西能跟愛人相比，這才是真正的藝術啊!

梵谷想接觸人群，畫人群，但卻被不理不睬，越如此內心就越孤獨，最後只好畫自己，然而珍貴的是他始終保有那一顆愛人的心，一直扛著這不滅的愛，伴隨他走到生命的終點。

關於梵谷的迷思／為什麼是耳朵？

1888年聖誕節前夕，黃屋發生了一樁割耳悲劇。然而梵谷為什麼要選擇耳朵自殘呢？

英國藝術權威馬丁．蓋佛德幾年前著有一本《黃屋》，書中揭露割耳應該跟當時倫敦的兇殺案有關。自1888年八月起「開膛手傑克」用恐怖的手段殺害好幾名妓女，有的還割掉耳朵，這消息轟動全歐洲，相信梵谷應有所聽聞。

另一個解讀的線索便是宗教信仰。梵谷自己當過傳教士，不但對《聖經》倒背如流，更一五一十履行耶穌的教導。

恰巧《新約》有一段耳朵的典故：當耶穌在花園被羅馬士兵逮捕時，在一片慌亂的現場，徒弟彼得砍去猶太祭司僕人的耳朵，耶穌目睹此景，便將它接回去，傷口立即癒合。

同時，耶穌曾將紅酒與麵包比喻成他的血與身體，也說天父派他到凡間受苦，在嘗盡身體的疲憊之後，他上十字架做了最後的犧牲。

梵谷曾深愛過一名妓女，名叫西恩，他為她創作了一件令人動容的〈悲痛〉。分手之後，梵谷一直惦記著她，只要遇到妓女，就對這群落難者抱以無限的關懷。

耳朵、妓女與宗教的串聯不僅可詮釋藝術家的人生，也能打破割耳的迷思。他追隨耶穌的腳步，願意用身體的苦來救眾生，當他聽到倫敦殘殺妓女的消息，產生了悲憫之心，於是割下耳垂送給娼妓，整個過程猶如宗教儀式，表現的是「人間悲苦的救贖」！

【聯合報副刊 2010/01/21】

林布蘭特 & 梵谷的自畫像

若說林布蘭特代表荷蘭的古典傳統，那麼梵谷象徵的就是荷蘭的現代主義，他們倆擅長自畫像，也都經歷孤獨，苦悶，與悲慘，留給人間卻是彌足珍貴的熱情，然而，林布蘭特用42年的歲月(21歲到63歲)畫下90多幅的自畫像，除了表現獨立的性格之外，也記錄他從成長，輝煌，到隕落的一生，刻畫的不僅是個人的故事，更體現了一種人類的共同命運。

至於梵谷呢? 他的情形卻大不相同，他只用生命最後的短短5年(32歲至37歲)來創作40多幅自畫像，呈現的並非生涯的進展或演化，而是生命的狂熱與緊度的最高極限，無論在藝術表現、美學實驗、或坎坷與逆轉的昇華，在他身上找到的高潮與悲劇是史上前所未有的。

向林布蘭特學習

1886年春天，梵谷實現了到巴黎的願望，期待新的環境能給予他知性上的撞擊，並有助於掙脫桎俈，抵達這藝術之都沒多久，他畫了一張〈自畫像：戴帽，畫架在前，手握畫比與調色盤〉。

在這張自畫像，他一手握住畫具，畫盤上沾有少許的朱紅、奶白、黃的顏料，與周圍的整個陰暗色調相較起來，形成對比。因1941年一場大火，這幅畫很可惜被燻得黑黑的，造成左上角的顏料脫落，儘管如此，臉部的光與影，還明顯的留下來，這讓我立即聯想到古典畫家林布蘭特在23歲時畫的〈年輕男子的自畫像〉，一束光源從他身後照過來，他以背光的姿態刻畫自己，他的右臉頰、鼻尖、耳端、與白領同時沾上這微光的照射，在光影對比與陰影層次上，處理的極為恰到好處，使鼻子與額頭之間，產生濃烈的神秘氛圍，我們若專注這兩張自畫像，會發現描繪方式簡直一模一樣。

另外，若拿梵谷的這張來跟林布蘭特的另一張1660年的自畫像作比較，那類似的陰鬱色調，倆人都站在畫架前，拿著沾顏料的畫板，這些都証明瞭梵谷深受林布蘭特的影響。

內心的寫照

在創作〈食蕃薯的人〉期間，梵谷特別關注西班牙畫家維拉斯蓋茲(Diego Velazquez，1599-1660)，並將他的作品跟自己的做一番比較，而我曾經將〈食蕃薯的人〉右側構圖跟維拉斯蓋茲的畫相較一下，發現靈感應該來自於久遠前的〈煎蛋的女人〉。  

若想看詳細分析, 請前往: (http://www.haodoo.net/?M=fang&P=17)

在〈煎蛋的女人〉中，那一身黑衣白衫的男童，扮演著扶助貧窮婦女的角色，有一張世故的臉龐，他過度的成熟，隱喻的就是畫家本人，維拉斯蓋茲將自己較年輕的形像放進畫裡，邀請我們跟他站在一起，目睹這些平凡人的偉大; 至於〈食蕃薯的人〉，在我看來咖啡的男子就是梵谷本人的寫照。

當時32歲的他算還年輕，但從同期的照片來看，卻把自己弄得蒼老無比，他坦承：

我是一個30歲的男人，前額有皺紋，臉上也有線條，看起來彷彿已經是40歲的人了。

從這段誠實的表述，我們可以瞭解他對自己的狀況心知肚明，無論在身體或心理上都有過度老成的跡象，正如〈食蕃薯的人〉的討咖啡男子一樣。

隔一年梵谷到安特衛普(Antwerp)藝術學院，在那兒待上三個月接受素描的訓練，一共畫下兩張自我肖像的速寫，若拿它們來跟這位討咖啡的男子做比較，會發現在帽子樣式、3/4角度臉龐、批上大外套…等等的關鍵點上很類似。 另外，他在〈食蕃薯的人〉的位置與姿態都說明不屬於這一家人，當老婆婆倒了四杯咖啡，並沒有把這名男子算進來，所以他儼然是一個外人，就像他自己的處境一樣，受家庭、社會、友人的摒棄，是一位徹頭徹尾的「局外人」啊!

梵谷以隱喻的方式將自己的形像帶進畫裡，一來傳達他急切擁抱愛與溫暖的欲望，二來邀請我們跟他站在一起，用謙卑的態度與尊敬的目光看待這一群貧困的人。

蒙地伽利的傳人

在巴黎時，梵谷最仰慕的藝術家就是蒙地伽利(Adolphe-Joseph-Thomas Monticelli，1824-86)，1886年6月底，這位畫家突然過逝，梵谷整個夏天都在模擬他的繪畫技法，特別是使用明亮的色調，大膽的作風，與厚塗顏料的技巧上; 同時，梵谷也在出版第一本蒙地伽利的專輯書冊上，幫了不少的忙。

說到蒙地伽利，在印象派一詞發明之前，他早就創立了印象派的畫風，他可以算是這派別的先師，他的藝術品味及創意被當時的社會摒棄，這點跟梵谷的情形很像，梵谷誇獎他不但是一個「優秀的畫家」與「邏輯的色彩家」，他還說：

    我有時候認為我真的在跟隨那個人。

其實，梵谷所追隨的並非當代的印象派畫家，而是這位了不起的先師，若說梵谷是蒙地伽利的藝術傳子，一點都不為過啊!

梵谷的自畫像

梵谷模擬米勒的作品，創作了許多農夫畫，他更鍾愛「播種者」的主題，為此畫下好幾個版本，詩人阿爾伯特˙奥里埃(G. Albert Aurier，1865-1892)作一個很精湛的詮釋：


〈播種者〉描繪一名敬畏但又令人不安的播種者，他的性情質樸，有野性發光的前額，遠遠的看，倒像畫家本人，其造型、姿態、與勞苦的模樣都讓文生˙梵谷沉迷不已，他時常畫此形象，而且一畫再畫，有時天空中出現發紅的落日，有時在酷熱的中午佈滿金粉 —— 各式播種者都在他的腦子旋轉，他像一名凡人，一名救世主，及一名真理的播種者來到這世上，讓我們在衰退的藝術中，在低能的和工業的社會中，能重新活過，我們如何能夠用沒有「成見」的態度來觀看〈播種者〉呢?

這段話暗示〈播種者〉就是梵谷的自畫像，他常在自畫像裡摸索，一畫再畫，不僅觀看自己的外表與內在，也藉此思考自己創立的美學，更追尋人生的信念，他在世上扮演什麼角色呢? 奥里埃說的好，——「凡人」、「救世主」、與「真理的播種者」。

梵谷的弟媳: 努力奔波的身影

幾個月前，我讀到梵谷的姪子為母親(裘)寫的小傳，提到她曾寫一封信給友人，裡面談到梵谷，內容是這樣：

自從西歐生病之後，梵谷的書信在我的生命裡佔據一個龐大的空間。拿著一包信件回來，我在我與西歐共屬的家渡過第一個寂寞的晚上，我想一定能在信裡找到他，在經歷那些痛苦的日子，一晚接一晚，它們成了我的安慰，原本我急切尋找的人是西歐，而非文生。然而，在吸吮每個字，在吞食每個細節時，我不僅用我的心來閱讀信，更用我的整個靈魂，它們始終保存在那兒，我讀了，再重讀，直到梵谷的人清楚地出現在我面前，想像我那一刻回到荷蘭的經驗，終於明白那位藝術家的寂寞，他的偉大與高尚的精神，想到人們對文生與他作品的冷漠，你能想像我有多失望，有時很傷痛，我記得去年，文生過逝的那個晚上，很晚了，但我還是走出去，那時風吹雨打，眼前的一切如此漆黑，我看見四處家家燈火通明，人們圍聚桌前，而我感到十分淒涼，第一次我才明瞭梵谷一定經歷過這樣的感受，當每個人將背轉向他，他感覺到「這個地球沒有一個可留的地方…」。 說這些，我希望你能了解文生在我生命裡的影響，是他幫助我容納生命，因為他，我可以跟自己和解，「風和日麗」——這是他們兄弟倆最喜歡的字彙，他們都認為最高的境界就是如此，而我也已經找到了，自從那個冬天，當我孤單一人，我沒有不快樂，「雖然悲苦，但總是歡欣的」——這是文生所表達的，現在，我可以了解那個意思了。
(註: 文生指的是梵谷)

當裘認識西歐的那刻，就感受她未來的幸福隨時可能會被摧毀，因為西歐無時無刻不在掛念梵谷，藝術家不穩的情緒更嚴重影響到西歐的生活，裘對梵谷的敵意是可以理解的，沒什麼好驚訝。

她對梵谷的了解是自他離開人間那一刻開始，她接到西歐的電報，孤獨一人，她初次嚐到那份蒼涼; 接下來，西歐生病後，她在一封接一封信，細細咀嚼梵谷的話語，才明白藝術家的高貴情操，及這對兄弟的摯愛，所以她下定決心將餘生投注在推廣梵谷的畫作、辦展覽、翻譯書信、作註解、寫傳。

她從一開始的懷疑，到之後的心同感受，以致全心的奉獻，說來是一個遽變的過程，然而，梵谷生前的默默無聞，到死後的聲名大噪，如今又成了眾人擁抱的對象，同樣的，轉變如此劇烈，中間的關鍵是什麼呢?

了解。

我們了解他的成長背景，了解他當過藝術經紀人、老師、傳教士、書店職員，卻以畫家為傲，我們也了解他如何被親友鄙視，如何被社會遺棄，受凌虐的程度實在難以想像，最後當我們目睹他的畫作，所有疑慮都一一消除了，一切都因我們的「了解」而感動，不是嗎?

其實裘起先就像一般觀眾，不過藉由她深入的了解，再將感動傳給別人，因她在背後的推波助瀾，梵谷的聲名才漸漸傳開。

許多人因梵谷的作品與話語而感動，在鼓舞之餘，我們又怎能忘記裘努力奔波的身影呢!

關於梵谷的迷思／梵谷的藝術知己

若問世間誰最了解梵谷的藝術，一般人會聯想到弟弟西歐，雖然梵谷堅信他們兄弟情，但說到藝術的理解，他偶爾也會發出怨言。

不久前，我意外的找到詩人阿爾伯特．奧里埃（G. Albert Aurier, 1865-1892）寫的一篇〈孤獨一人：文生．梵谷〉，刊登在1890年元月《Mercure de France》雜誌；仔細閱讀後，發現他對梵谷美學的深透了解真令人驚嘆，梵谷也曾讀過，大力誇獎，並寫信給他表示滿意呢！

當時推崇梵谷的專家還不少，但他只對奧里埃的評論情有獨鍾。

由於文章篇幅很長，在此我揀選其中兩段，當談到「太陽」，詩人說：

文生喜愛將太陽盤面掛在天空中，亮麗的閃耀，同時對其他類似的太陽之物，譬如像植物、星星、燦爛的向日葵，他不知疲倦，很瘋狂地、重複地一直畫，這代表：他用曖昧的或光榮的心態立下巨碑，來崇拜太陽。

梵谷畫的星星與向日葵原來是太陽的另一種變形，全因他愛上暖暖的陽光使然。
 
提到抖動的「樹」，詩人說：

被扭曲的戰鬥巨人，它們多節與威嚇的手臂，它們綠色、濃密與長長的鬚髮以悲慘的姿態在那兒搖晃，宣告頑強的力量，肌肉組織顯得自豪，熱血澎湃的氣勢，都說明那永恆的姿態，挑戰襲來的颶風、閃電與脅迫的自然。

奧里埃的妙語如珠，細膩的觀察與了解，在梵谷的眼中，他是唯一的藝術知己。

【聯合報副刊 2010/01/07 】